Las pinturas proféticas de Roy Lichtenstein

Roy Lichtenstein & apos; s Hopeless

Del cómic a las bellas artes, Lichtenstein transforma la imagen.

Fuentes cómicas a las bellas artes: la transformación

Los contornos negros gruesos impregnan la imagen, sin variaciones de sombreado, solo tamaño y forma. Los bloques de amarillo entre estas líneas negras forman un cabello rubio, que rodea su rostro bronceado. Tras una inspección más cercana, los puntos de Ben-day son visibles, formando la tez pálida de la mujer. Las líneas negras forman sus cejas y rasgos faciales. Una vez más se utilizan puntos de Ben-day, esta vez, para formar sus tristes ojos azules, mientras que una lágrima blanca delineada en negro recorre su rostro. Los bloques individuales de color representan un fondo y un primer plano. Una burbuja de pensamiento sobre su cabeza permite al espectador echar un vistazo a la mente del sujeto. La composición es fácil de asimilar a primera vista, una mujer triste que lamenta su relación fallida. Esta imagen podría fácilmente ser parte de una narrativa más amplia como un cómic, pero aquí la imagen es la pintura al óleo de Roy Lichtenstein. Sin esperanza de 1963. Esta imagen podría verse en exhibición en un museo o reproducirse en un libro, pero a diferencia del material original de Lichtenstein, no se distribuye masivamente y ciertamente no es barato ni fácil de comprar como lo es un cómic. Este artista pop, mediante el uso de técnicas de los medios de comunicación y la apropiación de temas de amplia circulación, principalmente anuncios y dibujos animados, hizo una declaración sobre el arte, la cultura y una predicción sobre lo que pronto sería de ambos.

Para comprender cómo se puede interpretar la obra de Lichtenstein, es mejor examinar primero qué hace el artista con su tema. ¿Cómo transforma las imágenes de los cómics cuando las reproduce a mano sobre lienzo? La imagen se amplía y, a menudo, se cambia el ángulo y se elimina parte del tema. Por ejemplo, a menudo se eliminan las palabras y los motivos de fondo que no son importantes para la imagen principal.

Su eliminación de ciertos detalles y la adición de otros son importantes para unificar la composición, haciéndola más equilibrada y formalmente estructurada. La imagen se aplana tanto como sea posible, lo que hace que la figura y el espacio del suelo se fusionen. Esencialmente, Lichtenstein transformó una copia en una obra de arte original (Mercurio, 2010, 43). Lichtenstein también usa el bocadillo de manera eficaz, y cambia la forma y el tamaño del globo, para que se haga eco de la imagen y la unifique. Albert Boine (1968-69) argumenta en un artículo para Diario de arte que el uso del bocadillo es el aspecto más importante de la estructura compositiva en la obra de Lichtenstein (156). Sin el bocadillo, la composición carecería de la conexión de la tira cómica hasta el punto de que la pintura se volvería ineficaz y sin importancia. También es interesante observar cómo el bocadillo nos permite comprender la imagen, lo que el sujeto de la pintura está pensando y sintiendo. Por ejemplo, en Sin esperanza sin el uso del bocadillo no tendríamos idea de por qué la mujer está llorando, pero por eso sabemos que está entristecida por una relación que no ha funcionado.

También hay un elemento de agitación en las obras de influencia cómica de Lichtenstein. Sus imágenes ilustran un momento de acción que ha sido capturado. Esta mirada instantánea a un momento en el tiempo permite que las pinturas se mantengan solas, se eliminen de su contenido narrativo y se introduzcan en el mundo de las bellas artes. Aquí el trabajo se puede ver e interpretar sin la historia subyacente que se incluyó en el cómic original. El hecho de que permita que la imagen se mantenga sola sin la narrativa es un aspecto muy importante de su transformación. Esto interrumpe el consumo acelerado de las imágenes de los medios de comunicación, la lectura irreflexiva de un cómic simple (Busche. 1989, 14). Luego se le pide al espectador que mire más de cerca, que profundice y piense en lo que se está representando. Lichtenstein reelabora la imagen de la historieta como una presentación de propiedades formales que representan un cliché o una pieza de los medios de comunicación, haciendo así la afirmación de que surgimos en los medios de comunicación y no podemos escapar de ella, incluso en el mundo de las bellas artes, que está siendo consumido por el comercialismo (19).

El verdadero tema

El tema de la obra de Lichtenstein no puede ignorarse por completo. El uso de cómics de guerra y romance nos pide que pensemos en las consecuencias de la guerra, cuestionemos los valores que alguna vez dieron por sentados los estadounidenses y cuestionaremos las técnicas utilizadas por los medios de comunicación para impulsar la sociedad consumista que está haciendo estragos en los Estados Unidos de la posguerra. Las imágenes con temas románticos nos piden que cuestionemos nuestras propias prioridades, cuestionemos nuestras vidas amorosas sobredramáticas, nuestro amor por las películas y la fantasía y lo que nos ciega o nos distrae de los problemas reales de la sociedad estadounidense. Utiliza los médiums de las masas, las herramientas para los anteojeras, para hacernos contemplar lo que está sucediendo en nuestras vidas y en el mundo en general. Nos muestra un espejo de nosotros mismos, de lo que estaba sucediendo en ese momento en Estados Unidos y lo que sucederá si seguimos tan involucrados y obsesionados con los medios de comunicación, el consumismo y el comercialismo.

Su uso de héroes de guerra es fácilmente una declaración política sobre la guerra, pero ¿podría ser también una declaración sobre el pintor expresionista abstracto y su imagen como héroe modernista? Hace una declaración sobre la idea del artista brillante, la idea expresionista abstracta de que el arte proviene de adentro y está lleno de sentimiento, deseo y razonamiento subconsciente por la obra. Al examinar todo el contexto de la carrera de Lichtenstein, desde sus primeros trabajos con cómics y anuncios, pasando por el uso continuo de este estilo de cómic para representar otros motivos, como la serie de bodegones y pinceladas, se hace evidente que su verdadero tema es el arte. sí mismo.

Fuente vs. Cuadro

Esta imagen muestra cómo Lichtenstein ha transformado su fuente de un cómic a una 'obra de arte'.

Deconstruyendo Lichtenstein

Dos veces eliminado

En una entrevista, Lichtenstein explica que el arte pop, ya que se parece a la cosa real y no a una representación de la cosa; es una intensificación (Swenson. 1963, 339). Utiliza un estilo removido y mecánico para expresar emociones y, al hacerlo, representa el cliché en el que todos vivimos, el mundo de la cultura y los medios de comunicación de la América de posguerra. Representa una realidad dos veces eliminada al tomar la falsa realidad de los medios y editarla, re-representándola en el mundo de las bellas artes (Mercurio. 2010, 43). A pesar de las cosas que hace Lichtenstein para cambiar su tema, todavía terminan pareciéndose a los cómics de los que se derivó el material original. Este elemento de su obra difumina la línea entre lo que se pinta a mano y lo que se reproduce mecánicamente. Esto entonces se vuelve más importante que las imágenes que están realmente representadas, especialmente en los primeros trabajos de la década de 1960. Las pinturas de Lichtenstein son una combinación de trabajo manual y métodos industriales o mecánicos, hasta el punto en que las distinciones no pueden ser distinguidas por el ojo del espectador. Esta difuminación de las líneas entre el hombre y la máquina 'desvió la atención del contenido hacia el método de uso (35). Al difuminar las líneas entre la mano y el proceso mecánico, demuestra que el ojo no puede discernir la diferencia entre las técnicas de producción de bellas artes y las de los medios de comunicación. Esto hace que su trabajo entre en un ámbito muy conceptual donde el trabajo en sí se basa muy poco en el tema real y más en la técnica que utilizó para producirlo.

La decadencia del héroe moderno

Su trabajo siempre se realiza en un estilo 'recompuesto' muy distinto, Mike Lobel acuñó la frase 'Lichtensteinize (Bois, 485)' para explicar lo que hace con sus fuentes cuando se apropia de ellas. Lobel también afirma que Lichtenstein se aferró a las nociones modernistas de originalidad y creatividad (485). Lichtenstein no parece aferrarse a estas nociones tanto como las reconoce. Parece entender que el modernismo está al borde de la decadencia, de la muerte, pero no ha terminado por completo. Al observar la carrera de Lichtenstein en su conjunto, vemos que tenía una gran comprensión y conocimiento de los maestros europeos, pero también tiene una comprensión de las herramientas de los medios de comunicación y el estado de la cultura estadounidense. Su trabajo muestra una comprensión de que el mundo del arte ya no puede aferrarse a los límites que ha construido el modernismo, las reglas a las que se ha aferrado durante tanto tiempo se están volviendo viejas y obsoletas.

La obra de Lichtenstein representa la desintegración de la idea modernista de los artistas heroicos y predice la forma de pensar posmoderna que se estaba desarrollando en la época de su obra. La obra de Lichtenstein está en la línea del Modernismo, esto es innegable por su apropiación de las imágenes, la forma en que une y cambia sus formas y figuras, haciendo que el lienzo sea algo mínimo, aplanado y autónomo. De acuerdo con los estándares de Clement Greenberg y sus seguidores, el trabajo de Lichtenstein entra en la categoría de pintura moderna, es una imagen plana y autónoma, pero el tema que utiliza es kitsch, lo que, por lo tanto, plantearía un problema para quienes estaban adhiriéndose a la teoría de Greenberg. El trabajo de Lichtenstein, entonces, es más una predicción del posmodernismo y de la caída y el fracaso de las fronteras entre la alta y la baja cultura. Es una declaración de lo que va a pasar, de lo que ha pasado.

Pincelada con Salpicadura

Claramente, esta es una declaración sobre el expresionista abstracto, el héroe del mundo del arte moderno.

La demanda de unir vida y arte

En 1964 había alcanzado su objetivo de hacer que sus pinturas parecieran producidas industrialmente y comenzó a transferir su estilo de tira cómica a otros motivos, como su serie de pinceladas, que es otra declaración obvia sobre el héroe expresionista pictórico abstracto. Se trata de la historia romántica del arte y de la importancia que juega la pincelada en un cuadro (Mercurio. 221). También convierte su estilo de historieta a otros géneros, como paisajes y naturaleza muerta, que son parte integral de la historia de la pintura modernista occidental. Esto nuevamente enfatiza la importancia de la historia del arte en su obra. La carrera de Lichtenstein llegó en un momento en el que el arte estaba muy separado de la vida cotidiana. Gran parte del arte anterior al arte pop y el arte que competía con el arte pop eran mínimos y carecían de un tema real. El arte de Lichtenstein exige que el arte y la vida se reúnan. Insiste en que el ahora sea visto, contemplado y reflexionado. No se trata de una experiencia estética o una experiencia que se separe del día a día, sino que es una representación cara a cara de lo cotidiano y ordinario, lo que hay que tener en cuenta, el estado de América en este momento. , así como el estado del arte mundial.

La afirmación de que la vida refleja el arte y el arte refleja la vida debe aplicarse teniendo en cuenta el uso de imágenes cómicas por parte de Lichtenstein, porque se inspira en el mundo real y cotidiano. Si tanto la vida como el arte se reflejan entre sí, también es seguro asumir que la alta cultura / bellas artes también debe reflejar la baja cultura y el arte comercial que ofrecen los medios de comunicación, y viceversa. En un breve ensayo de una página de Keith Roberts para La revista Burlington (1967) proporciona un ejemplo interesante de este fenómeno. El trabajo de Lichtenstein estuvo fuertemente influenciado por la publicidad, y ahora su trabajo se ha convertido en la inspiración de una empresa de publicidad llamada Red Star Parcels. Esta empresa ha modificado el típico anuncio y lo ha sustituido por el formato de un cuadro de Lichtenstein, con personajes de cómic simplificados y un bocadillo unificador (514). Este ejemplo muestra cómo el arte y los medios de comunicación han completado el círculo. Lichtenstein primero extrajo su influencia de anuncios y tiras cómicas que producían imágenes aún más pulidas y fáciles de ver en el entorno del mundo de las bellas artes, luego los medios publicitarios tomaron estas imágenes editadas y las reelaboraron para satisfacer las necesidades del anunciante. Es posible que otro artista venga y tome estas imágenes, las edite a su gusto y produzca algún tipo de obra de arte. Este es un ejemplo concreto de la idea de que el arte refleja la vida, o de hecho, que los medios de comunicación y las bellas artes están interconectados, entrelazados hasta el punto en este siglo de ser inseparables y, a la vez, indistinguibles.

Prueba en el posmodernismo

Podemos ver ahora que ha pasado suficiente tiempo y su 'predicción' se ha hecho realidad. Hemos llegado a un lugar en el arte muy difuso, muy posmodernista y, en general, muy complicado. A través del trabajo de Lichtenstein podemos ver que sin el modernismo, el posmodernismo no puede ni podría existir. Debido a la industrialización, la tecnología, los medios de comunicación, la globalización y la cultura en general, ya no hay forma de establecer límites y distinciones entre lo alto y lo bajo, entre lo que es comercial y lo que es puro arte. Estos límites se han estado fusionando durante mucho tiempo. Lichtenstein no fue el único artista que ha hecho este tipo de declaraciones y predicciones con su trabajo, pero su uso temprano de los cómics nos muestra que pensaba de manera diferente, estaba buscando diferentes cosas como materiales originales. Entendió el colapso que estaba ocurriendo en la cultura estadounidense y lo tomó y lo usó para hacer obras que son muy conocidas y generalmente muy apreciadas, y aunque no lo son, hacen una declaración que es importante. 'También en muchos otros aspectos, Liechtenstein parece un profeta' (Mercurio, 31).

Naturaleza muerta con cuenco de cristal

Esta imagen difumina las líneas del género de la naturaleza muerta, muy conocido en las bellas artes, con el de un cómic o una caricatura.

Fundación Lichtenstein

Fuentes

Bois, Buchloh, Foster y Rosalind Krauss. Arte desde 1900: modernismo, antimodernismo y posmodernismo . Londres: Thames & Hudson, 2005. 337-339, 483-487.
Boime, Albert. 'Roy Lichtenstein y el cómic'. Diario de arte Vol. 28, N ° 2, invierno de 1968-69, 155-159.
http://www.jstor.org/stable/775210?origin=JSTOR-pdf&69. (consultado el 29/3/2012
Busche, Ernst A. Roy Lichtenstein: pinturas pop: 1961-1969. SI. : Schirmer, 1989.
'Deconstruyendo a Roy Lichtenstein'. Última modificación 2000, http://davidbarsalou.homestead.com/LICHTENSTEINPROJECT.html
Mercurio, Gianni . Roy Lichtenstein: meditaciones sobre el arte . Milán: Skira, 2010.
Roberts, Keith. 'Roy Lichtenstein y la imagen popular'. La revista Burlington Vol. 118, No. 880, julio de 1976, 514-515.
http://www.jstor.org/stable/878465?origin=JSTOR-pdf (consultado el 3 de abril de 2012)
Smith, Roberta. 'Alta y baja cultura se encuentran en una calle de un solo sentido'. New York Times, Oct. 5, 1990.
http://www.nytimes.com/1990/10/05/arts/review-art-high-and-low-culture-meet-on-a- one-way-street.html? pagewanted = all & src = pm ( consultado 4/4/2012)